Announcing 38 Award-Winning Black & White Photographers!
I was deeply impressed by the emotional depth and technical mastery displayed across the board. From intimate personal stories to bold, conceptual work, the photographers demonstrated the powerful ability of monochrome to evoke timeless narratives. It was inspiring to see how each artist used the medium to explore complex themes and bring unique perspectives to life. ”
picks
Luiza Kons’ photographs are full of personality, intimacy, humor, and carefree, tender moments. With a snapshot aesthetic, the work comes across as fresh, casual, and real. Kons combines photos that are not bounded by linear storytelling logic, nor are they limited to a specific style of imagery. In fact, it is this jumble of artistic approaches that makes the work feel very real and un-self-conscious. The group of pictures creates a mood and sensibility that feels intimate, random, impromptu and authentic.
In her statement about the project, Kons writes: “The outcome is a chaotic universe bound by strangeness, mistakes, imperfections. In a journey to invent life on our own terms.” Bravo!
Drew Waters' garden is a cultural stage, a theatre where the vices and whims of the bourgeoisie are staged.
A place that narrates the inhabitants of the house and their imagery, the choice of using flash shifts the narrative to a surreal level that allows the viewer to enter deeply into the world of the photographer.
Astrid Verhoef's 'Human/Nature' series is bold and striking, yet lures you in with a sense of curiosity. An anonymous figure (of the artist herself) faces out into a constructed geometric landscape, drawing us towards her own perspective. This gives a sense of who Astrid is as an artist. Working independently, and at scale, to create meticulous still life setups (this is done without AI generated imagery - only basic montages were used when needed), she has balanced each element serenely to create a surreal sense of beauty.
Sangjin Kim is my Juror's pick for his powerful, intimate portrayal of Korean life in Los Angeles. His work offers a nuanced exploration of the complexities of race relations and the struggles of fitting in, while also revealing the communities' internal politics. Kim captures both the beauty and tension of cultural identity in a way that is deeply personal and universally resonant.
Two men. A hand on a shoulder. A gesture.
I feel the touch. I know what it is like when someone else put their hand on my shoulder. Everything in this image floats together in shapes and textures that fit so well. This is two wrestlers? I am surprised. Puzzled. How can a touch from a wrestler be that gentle? This is how I would touch my loved one.
Tell him that I am taking care of him no matter what. This is the image that touched me the most, this is the image that started as a knot in my stomach and finally made me shiver.
Photographers use AI tools for different purposes: idea generators, hybrid incubators, and simple editors. Norberto Pezzotta studies and questions the tool itself and how it shapes our beliefs and ideals. Augmented Reality puts AI, beauty, and humanness under the microscope, highlighting the importance of working outside the tool to maintain our integrity, authenticity, and diversity. In Pezzota’s laboratory-like settings, an experiment is underway that brings together the ever-sharp AI-generated creations, masking the softer presence of the human form, often dissolving, becoming a distant memory. Who makes up the algorithmic ideals that we prescribe to? This work asks us to step back, see the many possibilities of what we find beautiful, and question why.
Richard Cannon’s work effectively merges the personal memories of D-Day veterans with historical context, creating a powerful and moving piece. By overlaying their present-day portraits with archival images from their past experiences, the work transcends time and conveys a universal message. The contrast between the intensity of war and the peaceful demeanor of the veterans today creates a visually striking impact.
Moreover, the use of black-and-white photography plays an essential role in seamlessly connecting the past and present, highlighting the gravity of history while adding an emotional depth to the piece. The monochrome palette eliminates distractions and focuses the viewer's attention on the subject's story, enhancing the overall experience.
The Black & White Photography Awards 2024 reminded me of my first love for photography in my high school darkroom, where my teacher let me in early to start processing—a passion that carried me through college. The range of submissions this year was both inspiring and challenging to evaluate, as making selections can feel deeply personal. I aimed to choose work that invites introspection from a wide range of viewers, highlighting the power of monochrome to distill moments into their purest forms. ”
Our International Jury
Michael Foley abrió su galería epónima en el otoño de 2004 después de catorce años de trabajar con galerías de fotografía notables, incluyendo Fraenkel Gallery, Howard Greenberg Gallery y Yancey Richardson Gallery.
En 2002, Foley continuó su interés en educar y trabajar con artistas al servir en la facultad de la School of Visual Arts, Fashion Institute of Technology y International Center of Photography, donde enseña y da conferencias sobre temas de fotografía contemporánea a nivel de pregrado y posgrado.
Se unió a Leica en 2023 como Director de la Galería de la New York Meatpacking Store & Gallery.
Foley vive en Manhattan con su esposa, Maya, y su hijo, Jack.
Mee-Lai Stone es Editora de Imágenes, Cultura para The Guardian. Ella es parte del equipo internacional que selecciona y produce diariamente galerías de fotografía en línea, ensayos, artículos y fotos individuales para compartir con la audiencia global de lectores de The Guardian.
Jacob Aue Sobol es un fotógrafo galardonado y miembro de Magnum Photos. Ha publicado varios monografías de su estilo único y expresivo de fotografía en blanco y negro y ha exhibido su trabajo ampliamente. Sus imágenes se centran en la universalidad de la emoción humana y la búsqueda del amor en entornos a menudo duros.
Nacido en Copenhague, Dinamarca en 1976, ha vivido en Canadá, Groenlandia y Tokio, antes de regresar a Dinamarca en 2008. Ha viajado extensamente en los años siguientes, fotografiando en Siberia, Tailandia, Mongolia, América y China mientras se mantenía basado en Copenhague.
Su libro "I, Tokyo" fue galardonado con el Leica European Publishers Award en 2008. En 2012 comenzó a fotografiar a lo largo del Ferrocarril Transiberiano y pasó los siguientes cinco inviernos fotografiando en la remota provincia rusa de Yakutia para su proyecto "Road of Bones." Tiene proyectos en curso en Dinamarca ("Home") y Estados Unidos ("America").
Nacido en Cortona en 1981, después de años dedicados a la fotografía, Antonio decidió convertir un sueño en un proyecto real; y así, en 2011, nació Cortona On The Move, un festival internacional de fotografía y narrativa visual creado junto con un grupo de amigos. En diez años, Cortona On The Move se ha convertido en uno de los festivales de fotografía más importantes de Europa. Antonio es actualmente subdirector en las Gallerie d'Italia en Turín, situadas en Piazza San Carlo: el cuarto museo de Intesa Sanpaolo junto a los de Milán, Nápoles y Vicenza. Un espacio expositivo dedicado a la fotografía que cubre 9,000 m2 en el Palazzo Turinetti, justo en el corazón de Turín.
Kris Graves es un artista y editor con sede en Nueva York y California. Es fundador de MONOLITH EDITIONS, una editorial propiedad de personas negras dedicada a mostrar el trabajo de artistas de color en diversos medios que abordan temas de raza, identidad, equidad, género, sexualidad y clase.
En su propia fotografía, utiliza una mezcla de prácticas conceptuales y documentales para explorar las sutilezas del poder social y el capitalismo, entre otros temas importantes.
Graves también forma parte de la junta directiva de Blue Sky Gallery: Oregon Center for the Photographic Arts, Portland; y The Architectural League of New York como Vicepresidente de Fotografía.
Yumi Goto, una curadora independiente con sede en Japón, se especializa en producción integral, curaduría, edición de fotos, publicación, investigación, consultoría, educación y desarrollo de talento relacionado con la fotografía. Sus principales intereses se centran en el conflicto, los problemas sociales contemporáneos, las violaciones de derechos humanos y los problemas de las mujeres. Yumi ha estado involucrada en campañas y publicaciones fotográficas para organizaciones humanitarias y de derechos humanos, así como en la evaluación, nominaciones, curaduría y producción para premios internacionales de fotografía, festivales y eventos fotográficos. También es cofundadora y curadora de "Reminders Photography Stronghold" (RPS), facilitando actividades versátiles relacionadas con la fotografía. Además, estableció el “RPS KYOTO PAPEROLES" en 2020 y ha estado activamente involucrada desde entonces.
Jim Casper es el editor en jefe de LensCulture, uno de los principales destinos en línea para descubrir nueva fotografía contemporánea de todo el mundo. Como miembro activo en el mundo de la fotografía contemporánea, a Casper le encanta reunirse con fotógrafos y hablar sobre fotografía. Curaduría exposiciones de arte, publica libros, imparte talleres, actúa como jurado internacional, nomina a fotógrafos para premios clave y es asesor de organizaciones de arte y educación.
